EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA DE ARTE "TORRES BEGUÉ", DE MADRID (1988)

 

Mi primera exposición individual fue en la galería Torres Begué, de Madrid, en mayo de 1988. Entre las obras expuestas, dentro todas ellas del estilo expresionista, había una serie de retratos.

Me dedicó una crítica Rosa Martínez de Lahidalga, presidenta de la Asociación Española de Críticos de Arte, que, entre otras cosas, señalaba:

“Apenas cuatro años han transcurrido desde que Margarita Alonso Saiz obtuviera la licenciatura en Pintura, cuando el timbre tonal y la aridez de la materia permiten reconocer una personalidad artística que huye de lo fácil para adentrarse en la senda por la que el verdadero artista resuelve el enfrentamiento entre la realidad que lo circunda y su interioridad”. 

Detalle del lienzo "Mujer peinándose" (1988).

RODY HERRERA, GUITARRISTA Y COMPOSITOR

 

Compositor y guitarrista asturiano. Intérprete genuino de blues. Carismático, vitalista y generoso. Rody Herrera me acompañó con su música en la inauguración de mi exposición en el Palacio de Valdecarzana de Avilés, el 29 de junio de 2018. 

Margarita Alonso Saiz

Rody, en la inauguración de junio de 2018.

EXPOSICIÓN EN LA SALA "MAURO MURIEDAS", DE TORRELAVEGA (2013)

 

La exposición estuvo abierta del 19 de julio al 16 de agosto de 2013.

Enlace con EL DIARIO MONTAÑÉS

 

EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA DE ARTE "MAES", DE MADRID (2002)

 

La exposición estuvo abierta del 22 de octubre al 13 de noviembre de 2002.

UNA MARINA SIN FIRMA

 

Marina anónima en el salón de actos de la Casa de Cultura de Llanes. (Foto: JRRT).

Un gran lienzo que representa un naufragio preside el salón de actos de la Casa Municipal de Cultura de Llanes. No lleva firma y pudo haber sido pintado a finales del siglo XIX.

Años atrás había estado colgado en la Tijerina, histórico edificio de Salvamento de Náufragos en el paseo de San Antón de la villa llanisca. En los años 90, una iniciativa del entonces concejal de Cultura del Ayuntamiento llanisco, Antonio Núñez Martín, fue restaurado, y desde ese momento está en la Casa de Cultura.  

Según comentó el pintor de Ribadesella  José Manuel Zapico García al periodista llanisco  Higinio del Río , hay en el Museo de La Aduana de Málaga un cuadro muy similar al que se puede ver en Llanes. Se titula "La última ola" y es obra de Emilio Ocón y Rivas. 

Este artista nació en 1845 en el Peñón de Vélez de la Gomera, Málaga, y falleció en 1904 en Málaga. Pintor y restaurador de vidrieras, se especializó en marinas. Fue profesor y catedrático de la Escuela de Bellas Artes de Málaga. 

Se había formado en esa Escuela de Bellas Artes y en la de San Fernando de Madrid, donde fue discípulo de Carlos de Haes, entre 1863 y 1867. 

Amplió estudios en los Países Bajos, becado por la Diputación Provincial de Málaga. 

Participó en numerosas exposiciones. Recibió el Tercer Premio en la Exposición Nacional de 1871 por su obra "Vista de Málaga en un día de calma" . Obtuvo también un galardón en la Exposición Universal de Viena, en 1872. 

Entre sus trabajos en vidrieras, destaca la rehabilitación de la "Transfiguración" en la catedral malagueña. 

Emilio Ocón estaba en posesión de la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica. 

Era un gran aficionado a la mar y había cursado estudios de Náutica. 

Margarita Alonso Saiz

Cuadro "La última ola" , de Emilio Ocón , que forma parte del Museo de Málaga. 

ARQUEOLOGÍA INDUSTRIAL Y TEJERAS

 

Las ruinas de la tejera de F. Pontón, en la actualidad. 

 

En la carretera de Bricia a Niembro, en el concejo de Llanes (Asturias), pueden verse los restos de lo que fue la tejera de Francisco Pontón. Dejó de funcionar a principios de los años 60 y es hoy un elocuente ejemplo de la arqueología industrial que todavía queda en pie en Llanes, al igual que la tejera de San Miguel, en Ardisana. Me la imagino reconstruida y llena de vida, como bien patrimonial íntimamente unido a la historia llanisca, un poco en la línea de lo que se hizo en la tejera de Palencia, rehabilitada para su reutilización como centro cultural de ferias, exposiciones y congresos, según proyecto de Francisco Mangado Beloqui (el mismo arquitecto que proyectaría la ampliación del Museo de Bellas Artes de Asturias, en 2015).

Según se indica en el Catastro del Marqués de la Ensenada, en el siglo XVIII había en Niembro dos tejeras, al menos: una, explotada en común por los vecinos, y otra de propiedad particular.   

Margarita Alonso

La tejera, en los años 40. (Foto: Ramón Rozas).   

LAS MUJERES Y EL MERCADO DEL ARTE

El profesor Roman Kräussl . 

Después de analizar más de cien mil transacciones de más de setecientas casas de pujas, el economista Roman Kräussl, profesor de la Escuela de Finanzas de Luxemburgo, reveló en 2017 que entre los 50 artistas plásticos más vendidos en subastas aquel año no figuraba ni una sola pintora.

Los tres primeros puestos por ventas correspondieron a Leonardo da Vinci (450 millones de dólares por su “Salvator Mundi”), Picasso (415 millones) y Jean-Michel Basquiat (335 millones). En ese ranking, la primera pintora era la expresionista abstracta norteamericana Joan Mitchel (1925-1992), con 30 millones de dólares en ventas, y sólo había una mujer más dentro de los cien primeros puestos: Agnes Martin (1912-2004), que ocupaba el lugar 62º, con 27 millones. Las dos pintoras vivas con más éxito comercial fueron la sudafricana establecida en Ámsterdam Marlene Dumas (que vendió obras por valor de 17 millones) y la inglesa Cecily Brown (15 millones).

Entre 1970 y 2013, Kräussl estudió un millón y medio de ventas efectuadas en subastas, que afectaron a 66.442 artistas. El precio medio por transacción fue de 48.212 dólares para los hombres y 25.262 dólares para las mujeres.

Según el economista luxemburgués, la clave para corregir esta enorme diferencia está en los coleccionistas:  “Las cuotas son inútiles. Sólo cuando los coleccionistas comprendiendo prioritariamente obras de mujeres en galerías y ferias de arte cambiarán las cosas” .

Margarita Alonso Saiz

Obra de Marlene Dumas .

LA MAR, LA MEMORIA, LA GALANA...

 

"La Talá" (2016). 

"Se escuchan los bramidos de la mar

y repiten el eco las montañas

y hondonadas y valles y requejos

recogen sus palabras.

Brama el viento que viene del Cantábrico

y en sus velocidades, ay, 

lleva aromas y cánticos y ventas,

néctares, plegarias"

(Del poema "El bufón de Pría", de Dolores Sánchez Buergo, La Galana )  

TALLERES AL AIRE LIBRE

En las proximidades de Guadamía. 

 

Desde el principio, los talleres municipales de dibujo y pintura que hacemos en la Casa de Cultura del Valle de San Jorge, en la localidad de Nueva (concejo de Llanes), incluyen sesiones de paisaje al natural, en un entorno inigualable. 

ARTE EN AUSCHWITZ: PINTAR Y DIBUJAR PARA SEGUIR SINTIÉNDOSE UN SER HUMANO

Autorretrato de M. Kosciesnialk .

 En 2017, la Casa Szolayski, un edificio situado en el casco histórico de la ciudad de Cracovia, tuvo abierta la exposición “Cara a cara: Arte en Auschwitz”. La exposición se realizó para conmemorar los 70 años de la conversión del campo de exterminio en museo. 

  

La comisaria de la muestra fue la historiadora del arte  Agnieszka Sieradzka. Desde 2005 forma parte del Departamento de Colecciones del Museo Estatal de Auschwitz-Birkenau, en el que desarrolla la labor de conservadora. Es autora del libro "Lagermuseum", en el que cuenta la actividad artística clandestina de los prisioneros en el campo de concentración. 

En la exposición se mostró una buena parte de las dos mil obras artísticas (dibujos a carboncillo, sobre todo) que se hicieron en el infierno construido por los nazis en Polonia. En Auschwitz-Birkenau (a 70 kilómetros de Cracovia), fueron asesinadas más de un millón de personas. 

Oficiales de las SS hacían encargos a los artistas prisioneros. En 1941, el comandante del campo, Rudolf Höss, autorizó la apertura de un museo (denominado el "Lagermuseum"), del que estaría encargado un polaco, Franciszek Targosz, también cautivo allí. 

Algunos de los trabajos expuestos en la Casa Szolayski eran anónimos, pero otros tenían firma: Francis Reisz, Peter Edel, Nieznany Szkicownik, Wlodzimierz Siwierski, Xawery Dunikowski, Jan Komski, Halina Olomucka, Zofia Stepien-Bator, Czeslaw Kaczmarczyk, Franciszek Jazwiecki, Jozef Szajna, Mieczyslaw Koscielniak, Marian Kolodziej, Bartosz Bartyzel… Víctimas que vieron en el arte un asidero para seguir sintiéndose seres humanos. La exposición se abría con un doble autorretrato del artista judío berlinés Peter Edel (1921-1983), titulado "¿Sigo siendo yo? " 
Mieczyslaw Koscielniak (1912-1993) pintó en 1943 un retrato de Chopin, y esta obra estuvo colgada en una pared del barracón en el que ensayaba la orquesta de prisioneros de Auschwitz.

Margarita Alonso Saiz

Dibujo de 1943 que muestra la llegada de judíos
a la estación de Auschwitz. Autor: Nieznany Szkicownik.  

"Autorretrato" (1944), de Peter Edel.

 

ESTÍMULOS Y DESAFÍOS ACTUALES DEL ARTE

Instalación "Pepples que alguna vez fueron casas", de Cornelia Parker. (Una de las imágenes incluidas en el reportaje de SCALA).  

La revista alemana SCALA, editada en Frankfurt publicó en el número 2 de su edición en castellano (marzo-abril 1993) un reportaje sobre la crisis que empezaba a manifestarse en el ámbito de la producción y de la comercialización del arte contemporáneo. El ejemplar de la revista cayó en mis manos por casualidad, y de su lectura he sacado cinco ideas: 

- A pesar de la preocupación de los galeristas, en el mercado del arte alemán se registraban cifras muy altas en las transacciones, y las ferias de arte funcionaban bien.

- Nunca había habido, hasta ese momento, tantas obras artísticas de nuestro tiempo en los museos alemanes. Este interés por el arte contemporáneo no tenía precedentes.

- Cada vez era más clara la alianza entre el arte, el diseño y la arquitectura.

- Se daba una simbiosis entre el arte y la economía, inconcebible dos décadas antes. El sector económico había descubierto el arte como medio de comunicación (lo veía incluso como un poderoso estímulo para los ejecutivos de las empresas).

- “Quien sea capaz de convivir con espíritu creativo con las artes plásticas de nuestros días podrá también enfrentarse con mayor facilidad a los desafíos de una sociedad cada vez más compleja”, se afirmaba en el reportaje.       

     

Margarita Alonso Saiz

 

ANTONIO PELÁEZ, PINTOR DE LLANES Y DE MÉXICO

 

Autorretrato. Óleo sobre lienzo, 61 x 52 cm. (1955) 

Antonio Peláez Vega nació en Llanes (Asturias) en 1921 y estudió el bachillerato en el Instituto Pérez Galdós de Madrid. ​En 1936 emigró con su familia a México, y allí abrirían sus padres una tienda de comestibles. Al año siguiente, adquirió la ciudadanía mexicana y se matriculó en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda". 

Comenzó su carrera artística en la década de 1940, en el taller de Jesús Guerrero Galván, haciendo retratos y autorretratos. Viajó a París, Madrid, Nueva York, Milán, Salónica y Constantinopla, y estudió la obra de Antoni Tàpies, Jean Dubuffet, Robert Motherwell y Mark Rothko, entre otros.  

En los años 50, el contacto personal y artístico con Rufino Tamayo propició su paulatino abandono de la pintura figurativa. Derivó al arte abstracto y se centró en la textura, el color, el tacto y el uso del espacio, empleando trozos de rocas, esferas y colores (sobre todo, el ocre, el amarillo y el blanco). Llegado a la abstracción, la crítica vio en sus trabajos influencias de Nicolás de Stäel y de Tàpies. 

Según Olivier Debroise, lo más sustancial en la pintura de Antonio Peláez, “no es lo que se ve, sino lo que existe y no es inmediatamente perceptible”. La Tierra y su relación con el Sol, la Luna y las estrellas serán el centro de muchas de sus pinturas. Octavio Paz destacó en él “la voluntad de orden y el impulso poético, la geometría y el juego”.

Su primera gran muestra individual fue en 1952, en la Galería de Arte Contemporáneo de México. Fue presentado por  Frida Kahlo, que dijo de él: “Peláez ha captado la esencia de lo mexicano y su obra me parece prodigiosa como contenido y por su calidad humana y social. El pueblo puede enorgullecerse de tener a un pintor tan admirable, conocedor de su oficio, de su papel dentro de la sociedad, consciente de la belleza que ofrece a los ojos de México y del mundo con la humildad más honrada y limpia”. 

En 1956, publicó el libro titulado “21 mujeres mexicanas”, en el que se incluyen  retratos de Dolores del Río, Elena Garro y de Frida Kahlo, con textos de Jorge Luis Borges, Octavio Paz y Diego Rivera, entre otros.

Expuso en Francia, España e Israel, y obtuvo notable éxito en la X Bienal de Sao Paulo. Obras suyas forman parte de los fondos del Museo de Arte Moderno de Madrid y de instituciones de Tel-Aviv y Filadelfia. En 1973, el Palacio de Bellas Artes de México le dedicó una retrospectiva. La última exhibición en vida fue en 1981, en el Museo de Arte Moderno de la capital mexicana. Falleció en 1994, a los 73 años, en la Ciudad de México. 

Margarita Alonso Saiz

A. Peláez:  Las ventanas . Óleo sobre tela, 82 x 110 cm. (1977)

Proyecto para tapiz, sin título. Mixta técnica sobre papel, 60 x 48 cm. (1972)

El color de la arena. Óleo sobre tela, 185 x 140 cm. (1966)